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Zusammenfassung (abstract)
In der Dissertation wird zunächst die Thematisierung der übermäßigen Sexte in der musikalisch-kompositorischen Praxis unter Rückgriff auf Literaturbeispiele in den Blick genommen, die aus der Zeit vom 14. Jahrhundert bis zum Ende des 18. Jahrhunderts stammen; im zweiten Abschnitt des „historischen“ Kapitels wird dargestellt, in welcher Weise die übermäßige Sexte in den musiktheoretischen Traktaten bis zum Ende des 18. Jahrhunderts thematisiert wird. Anschließend wird auf der Grundlage der Untersuchung der Unterrichtsaufzeichnungen von Thomas Attwood und Barbara Ployer aufgezeigt, in welcher Weise sich W. A. Mozart in seinem Wirken als Musiktheoretiker und Kompositionslehrer mit den Akkorden mit übermäßiger Sexte befasst; hier wird auch Mozarts Position innerhalb der musiktheoretischen Diskussion des 18. Jahrhunderts deutlich gemacht. In drei weiteren Abschnitten wird untersucht, in welchem Umfang und auf welche Weise sich Mozart in seinem kompositorischen Werk der Akkorde mit übermäßiger Sexte bedient. Dies geschieht zunächst am Beispiel der Klaviersonaten. Hier spielt die Thematisierung von satztechnischen Standardsituationen eine Rolle, im Zentrum der Untersuchung steht aber die Beschreibung der Mechanismen, die der Funktion der Akkorde mit übermäßiger Sexte als „Signalakkord“ bzw. „signpost“ zugrunde liegen; dabei werden die Aspekte der Harmonik und der musikalischen Form aufeinander bezogen. Die Analyse der Klaviersonaten erfolgt unter Rückgriff auf quantifizierende Verfahren, das Instrumentarium zur harmonischen Analyse wird aus der musiktheoretischen Literatur des 18. Jahrhunderts abgeleitet. Ein weiterer Abschnitt der Arbeit untersucht, welche Rolle die Akkorde mit übermäßiger Sexte in einem stark individualisierten Einzelsatz, nämlich im Finale der Sinfonie KV 551 spielen; dabei werden auch zahlreiche Bezüge zu anderen Werken Mozarts und zu Werken anderer Komponisten aufgezeigt. Der letzte Abschnitt der Arbeit beschreibt Tendenzen zur Semantisierung der Akkorde mit übermäßiger Sexte; dieses geschieht auf der Grundlage der Untersuchung der vier Opern „Die Entführung aus dem Serail“ – auch hier beruht die Untersuchung auf quantifizierenden Verfahren – , „Le Nozze di figaro“, „Don Giovanni“ und „Così fan tutte“.
Die Mini-Serie A young Doctor’s Notebook erlaubt eine Probe der von Rick
Altman formulierten Theorie einer erinnerungsspezifischen wie
perspektivabhängigen Narrationstheorie. Als „narrative knowledge“
bezeichnet und in Abhängigkeit von dessen Erfahrbarkeit durch einen
Rezipienten gedacht, zeigt die Analyse nicht nur das Anwendungspotenzial
dieses auf Wahrnehmung fußenden Wissens, sondern auch dessen Grenzen
anhand medienspezifischer Erzählweisen.
In den gegenwärtigen Diskussionen um die Wirkmacht und Lebendigkeit von
Bildern werden kunst- und ästhetiktheoretische, bildmediale und ikonische
Argumente oftmals vermischt. In Antwort auf Anastasia Dittmanns Beitrag
in wissenderkuenste.de 1 plädiert der vorliegende Text für die
Unterscheidung dieser Argumentationsebenen, um mit der Frage nach der
Pose im und als Bild das Wissen der Künste vom Bild zu problematisieren.
Darbovens Dinge
(2014)
Was passiert mit Dingen, die aus einem Privatraum in den öffentlichen,
musealen Raum geraten? Ein prominenter aktueller Fall gibt Anlass den
Transfer vom Haushaltsobjekt zum Kunstobjekt zu bedenken. Was vor sich
geht, wenn Alltagsdinge Kunst werden, ist allein aus einer Perspektive
des ready made nicht zu begreifen.
On Not Knowing demonstriert, inwiefern Unwissen und die Verweigerung von
Wissensproduktion als ein zentrales Element der künstlerischen Praxis
gesehen werden können. An sich ist dies zwar keine überraschende
Einsicht, jedoch zeigt das Buch, dass es sich lohnt, eine Differenzierung
von Unwissensformen vorzunehmen.
Was mag das sein, ein theoretisches Objekt? Und was bedeutet es,
kunsthistorische Gegenstände als theoretische Objekte in Anspruch zu
nehmen? Der Text erläutert den Begriff und skizziert Grundzüge dieses
methodologischen Ansatzes. Dabei wird die Notwendigkeit betont, Kunst und
Theorie in der kunsthistorischen Analyse in einen wechselseitigen Dialog
zu versetzen. Es geht um die Möglichkeit, sich einem Denken (mit) der
Kunst zu nähern.
Encountering the Digital: Representational and Experiential Embodiment in Tangible User Interfaces
(2014)
This dissertation is concerned with the concept of »embodiment« in the field of Human-Computer Interaction (HCI). It investigates the issue by the means of Research Through Design
(RTD).
The notion of »embodiment« has many meanings in HCI. It is therefore the aim of this work to contribute to its clarification. I propose a distinction between two major meanings: »embodiment« in the sense of »representation« and »embodiment« in the sense of how the experience of one’s socio-physical world is fundamentally grounded in having a living body. I propose to name these two meanings »representational embodiment« and »experiential embodiment«.
Having separated the two meanings, I then look at those moments in which they encounter: I investigate moments in which »embodied« users face »embodiments« of digital information. These moments of encounter appear to be a central aspect of Tangible User Interfaces (TUIs), which are often concerned with making digital information graspable. Therefore, I focus on TUIs, pursuing the question of how the design of the »representational embodiments« of digital information affects the user’s experience of the interaction.
RTD is a research concept that promises to offer a new, »designerly« perspective on a subject matter. There are different approaches to RTD, of which I have chosen Findeli’s model of Project-Grounded Research (PGR). I introduce RTD and PGR, contextualising them in their historical context. I underline the central roles of the prototype and the »project« in PGR. I also relate RTD to its academic reference points: action research and grounded theory. Afterwards, I transform my research question into a design question, namely how the »embodiments« of digital information could be designed in a way that is oriented to the users’ »embodiment«.
In everyday language, physical (e. g. »disk size«, »data mining«) and social metaphors (»smart phone«, »battery life«) are often used to describe concepts of interacting with digital information. These metaphors form the starting point of my investigation into TUIs that make digital information graspable through socio-physical manifestations – through shape change, weight shift, and life-like signals. I describe the prototypes and report several previous studies that were conducted with them. These assess, for example, the accuracy at which users could feel the shifted weight on the phone’s inside, or the experiences of users carrying the »living mobile« for a weekend.
I then report a comparative study of the three prototypes and three vibration-based comparison prototypes. In this study, I make use of the Repertory Grid Technique (RGT). RGT is based on so-called »personal constructs«, which the users name themselves, as to describe the prototypes (e. g. »knowledge required – easy to understand«, »biological – technical«, »exciting – boring«). The users then use their own personal constructs to rate the prototypes. The findings of the RGT study indicate that the interaction with the Shape-Changing Mobile, Weight-Shifting Mobile, and Ambient Life prototypes was experienced by the users as novel and interesting, but at times also as irritating, and even annoying. The mixed results from this study can be described as three »two-sided coins«: the interaction with the prototypes was rated as rich in associations, but requiring prior knowledge and, at times, disappointing. It was rated as permanent, but at times annoying. Lastly, it was described as cute, but sometimes creepy.
I conclude that the encounter of »representational embodiment« and »experiential embodiment« can open a conceptual space for interaction design that is rich in opportunities, but also rich in challenges. It is this space that I set out to explore with this dissertation.
In summary, the main contributions of this dissertation are a separation of different meanings of »embodiment« in HCI and a study of TUI prototypes that explore the encounter of these meanings.
Ausgehend von Matisse' Russlandreise im Herbst 1911 und seiner Begeisterung angesichts der russischen Ikonen untersucht die Dissertation, inwiefern die Ästhetik der Ikonen für Matisse hilfreich gewesen ist, eigene Bildprobleme zu lösen. Der erste Teil der Arbeit ist theoretischer Natur. Es geht darum, die Herkunft des ikonischen Bilddenkens aus dem griechischen Osten zu erkunden und seine sprachlichen und begrifflichen Wurzeln herauszustellen. Dies wird durch eine Konfrontation mit dem abendländischen Bildverständnis erhellt: Das eikon hat seinen Ursprung in der griechischen Antike und verheißt im Gegensatz zur westlichen, auf Nachahmung bedachten imago eine unmittelbare Kraft zur Gegenwärtigung, was sich beispielsweise im Zutrauen an die Ikone zeigt, den dargestellten Heiligen zu präsentieren, als sei er leibhaftig anwesend. Das Bild gilt als reales Äquivalent.
Der zweite Teil der Arbeit bringt die entwickelte Terminologie zur Anwendung und widmet sich zwei konkreten Fragestellungen, die Matisse in der Malerei beschäftigen. Zum einen kommt die Problematik des Bildraums zur Sprache: Seit dem 16. Jahrhundert gilt das mathematische Prinzip der Zentralperspektive in der abendländische Malerei als maßgebliches Instrument zur Erzeugung bildlicher Raumillusion. Matisse jedoch genügt das perspektivische Verfahren nicht, um seine Bildräume zu organisieren. Gerade im ROTEN ATELIER wird sein Bestreben deutlich, den Fokus aufzubrechen, um die Beziehungen zwischen Dingen herauszustellen, die durch das allgegenwärtige Rot nach vorne drängen. Die zirkulare Bildanlage weist bemerkenswerte Analogien zum byzantinischen Kuppelmosaik der HIMMELFAHRT CHRISTI im Markusdom zu Venedig auf, dessen goldener Grund den Anwesenden ohne jedes Illusionsbestreben in einer realen Architektur das Paradies verheißt.
Zum anderen geht es um Matisse' Schwierigkeit, dem menschlichen Gesicht im Bild gerecht zu werden. Auch hier befriedigt ihn das seit der Renaissance tradierte, abendländische Streben nach größtmöglicher Ähnlichkeit mit dem Dargestellten nicht. Zugunsten einer generalisierenden Darstellung verzichtet er darauf, die Individualität des Porträtierten naturalistisch ins Bild zu setzen. Durch eine Bildanalyse von Matisse' PORTRÄT VON MADAME MATISSE und DEM PORTRÄT VON GRETA PROZOR wird deutlich, dass er sich auch hier die ästhetischen Wesensmerkmale der östlichen Ikonen zu eigen macht.
Während der Dilettant im Konzept der klassischen Kunst zu einer
peinlichen Figur erklärt wird, die bloß spielend agiert, ohne sich den
Mühen und dem Ernst eines anstrengenden Studiums zu unterziehen, weshalb
ihm die notwendigen Kenntnisse und Fertigkeiten fehlen, wird der
Dilettant im modernen Kunstbetrieb zu einem agent provocateur: Er lehnt
sich gegen das Regime der notwendigen Kenntnisse und Fertigkeiten auf –
und begrüßt das Unfertige, nicht-perfekte als Form des Neuen. Unter dem
Motto ‚Gelerntes vergessen‘ entsteht so ein strategischer Dilettantismus,
der anerkannte Kunstbegriffe in Frage stellt – und dadurch Kunst schafft.