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Weiterdenken: FAKTEN SCHAFFEN! Sieben Thesen zum Dokumentieren in den Künsten und Wissenschaften
(2017)
Während der Konzeption der Veranstaltungsreihe wie auch der Onlinepublikation FAKTEN SCHAFFEN. entstanden Arbeitsfragen und -thesen, die das Verhältnis von Dokumentieren und Dokumenten in den Künsten und den Wissenschaften näher zu bestimmen versuchten. Als Abschluss und Ausblick stellen die Organisator_innen der Veranstaltungsreihe hier sieben Thesen zur Disposition.
Ausgehend von einer von Jonathan W. Bernard konstatierten Verbindung zwischen Alfred North Whiteheads principle of organism und dem musikalischen Denken Elliot Carters werden formanalytische Beobachtungen dargestellt, die den komplexen und vielfältigen formalen Zusammenhang bei Carter zu erfassen versuchen, wohl in der Überzeugung, dass dies die Eigenart dieser Musik tangiert. Form wird dabei im Sinne eines holistischen Beziehungs-Gefüges verstanden, das durch verschiedenste Arten von Verbindung hergestellt wird.
Gegenstand des Beitrags sind die Zwölftonspiele Josef Matthias Hauers (1883–1959) und das Verhältnis der ausgeführten konkreten Musikstücke zu der abstrakten Idee des Zwölftonspiels. Ausgangspunkt ist eine Analyse der 44 Tropen, in denen Hauer zufolge die Vollständigkeit aller denkbaren Zwölftonreihen (bei Hauer »Zwölftonmelodien« oder »Melosmöglichkeiten« genannt) enthalten ist, was sich jedoch als nicht zutreffend erweist. Gerahmt werden die Überlegungen von dem Verhältnis des Zwölftonspiels Hauers zum Glasperlenspiel von Hermann Hesse, das sehr wahrscheinlich nicht in der häufig angenommenen Identifikation Hauers mit dem Joculator Basiliensis des Glasperlenspiels besteht und von Hesse auch gar nicht bewusst hergestellt worden ist.
Stockend-Rasende Zeit. Wahrnehmung und Interpretation von Beethovens späten Streichquartetten
(2022)
Ein sachlich analytischer Zugang zu den späten Streichquartetten von Ludwig van Beethoven wurde uns oft wegen werkimmanenter Besonderheiten wie auch wegen der Historie der Werkbehandlung zumindest teilweise verwehrt. In diesem Beitrag versucht der Autor ausgehend von unmittelbaren Hörerfahrungen und satztechnischen Gegebenheiten sich den Werken analytisch anzunähern. Dabei konzentriert sich der Beitrag auf die zwei werkübergreifenden Aspekte, Modulation und Textur, an welche eine umfassende Analyse von op. 127/1 anschließt.
In der Märchenoper Sadko verwendet Rimski-Korsakow zur Darstellung der phantastischen Sphäre harmonische Mittel, die sich den Normen der Dur-Moll-Tonalität entziehen, darunter Klangfortschreitungen, die auf verschiedenen Formen der symmetrischen Oktavteilung beruhen. Sie erscheinen vorwiegend im Zusammenhang mit der Anwendung einer Ganzton-Halbtonskala (gelegentlich kombiniert mit einer Ganztonleiter) in der Melodie oder im Bass. Experimentelle Akkordfolgen fungieren in der Oper in Form von satztechnischen Modellen, bei denen das Lineare eine ebenso wichtige Rolle spielt wie das Vertikale. Dieser Text ist ein Versuch, die wichtigsten auf symmetrischen Zirkelsystemen basierenden harmonischen Modelle zu erfassen und ihre Verbindung mit den kontrapunktischen Prinzipien – sowohl auf der Stimmführungsebene als auch in Bezug auf die Satztechnik – systematisch darzustellen.
Das Anthropozän als gegenwärtiges Erdzeitalter ist (vgl. die sich seit dem Jahr 2000 vielfältig verzweigende diskursive Entwicklung in natur- wie in gesellschafts- und kulturwissenschaftlichen Disziplinen) von einer umfassenden Beeinflussung planetarer Entwicklungen durch Humanaktivitäten gekennzeichnet. Damit einher gehen beunruhigende und bedrohliche Begleiterscheinungen wie der Klimawandel, das Massenaussterben zahlreicher Arten, die Verschmutzung der Ozeane, aber auch das akustische Einwirken auf zahlreiche Tierarten durch menschengemachte Geräusche. Um Perspektiven einer weiteren Öffnung musiktheoretischer Fachlichkeit zur inter- und transdisziplinären Anthropozändiskussion zu eröffnen, werden zwei Vorschläge unterbreitet, mit welchen Methoden und anhand welcher Gegenstände Musiktheorien sich posthumanistisch weiterentwickeln könnten. Der erste Vorschlag ist, Musikkulturen nichtmenschlicher Tiere im Sinne des »Animal Turn« in musiktheoretischen Diskursen zu berücksichtigen. Vor allem dann, wenn Musiktheorie als empirisch exploratives Projekt des Verstehens und Systematisierens von musikalischer Praxis verstanden wird, bietet sich in den Gesängen und Instrumentallauten zahlreicher nichtmenschlicher Tiere ein reiches Untersuchungsfeld. Vorschlag zwei ist, die weitere Entwicklung künstlicher Kreativität musiktheoretisch zu begleiten. Insbesondere vor dem Hintergrund des Fortschritts im Bereich des Maschinellen Lernens ist das Potenzial für eine kreative Handlungsmacht (›Agency‹) von Künstlicher Intelligenz gegeben. Aus der Erweiterung der musiktheoretischen Perspektive, hin zur posthumanistisch informierten Berücksichtigung tierlicher und künstlicher Musikkreation, ergeben sich weitere Entwicklungsmöglichkeiten. Durch die Dekonstruktion anthropozentrischer Vorannahmen in der Musiktheorie und die Entwicklung von Theorien zu mehr-als-menschlichen Musiken kann Musiktheorie außerdem zusätzliche gesellschaftliche Relevanz erlangen.
für Stefan Prey
(2022)
Ohne Titel
(2022)
Der vorliegende Text betrachtet die Problematik, dass ästhetische Aspekte im Tonsatz- und Analyseunterricht zwar von großer Wichtigkeit, sie aber nur schwer zu verbalisieren und zu vermitteln sind. Bezugnehmend auf Immanuel Kants Erkenntnistheorie werden die Ursprünge ästhetischer Urteile reflektiert. So soll ein Bewusstsein für die dargestellte Problematik geschaffen werden. Anhand methodischer Überlegungen möchte der Beitrag im Folgenden dazu ermutigen, ästhetische Kriterien in die Korrektur von Tonsatzaufgaben mit einfließen zu lassen.
Analysiert werden die Anfänge aus Haydns Symphonie-Menuetten Nr. 5, 65, 77 und 81. Der Fokus liegt auf prägnanten ›Spielen‹ bzw. ›witzigen‹ und dissonanten Gestaltungen von Rhythmus und Metrum. Die Analysemethoden sind eine flexible Kombination moderner, seit den 1970er Jahren diskutierter Theorien für Rhythmik und Metrik (v. a. Lerdahl, Temperley, Hasty, Mirka, Petersen, Swain); das Ergebnis sind vier annotierte
Partituren, die in ihrer Wortkargheit Schenker-Analysen ähneln.
Ein Stück wie Stravinskys Feuervogel lässt einem den Gegenstand musikalischer Analysen abhanden kommen. Ist es die Partitur, die zu untersuchen ist? Oder ist es das Spiel? Die Fassungen des Feuervogels sind Niederschriften vorgestellter Aufführungen. Stravinskys Fortschreibungen des Stücks verwischen den Unterschied zwischen Text und Spiel. Der Komponist reagiert auf das jeweilige Uraufführungsorchester, und so verändern sich Zeit und Ort des Feuervogel-Textes. Für Paris schrieb Stravinsky 1910 die Premierenpartitur mit Ballett, für eine eigene kleine Tour 1911 und für Sankt Petersburg eine erste Suite, für Genf 1919 eine zweite, und 1945 entstand in San Francisco eine weitere Ballett-Version. Ausgewählt wurden für generelle Überlegungen zur Analyse von Orchestermusik Aufführungen der Feuervogel-Fassungen von 1910 und 1919, beide dirigiert von Valery Gergiev, die eine mit den Wiener Philharmonikern im Sommer 2000, die andere mit den Berliner Philharmonikern im Dezember 2018.
Goethes musiktheoretische Interessen und die Frage nach dem Kontext musiktheoretischer Gegenstände
(2022)
Goethes musiktheoretische Interessen wurden häufig als Spekulationen eines musikalischen Dilettanten unterschätzt. Dazu beigetragen hat, dass sie Teil heute nicht mehr geteilter naturphilosophischer Überlegungen und weitgespannter Interessen sind. Goethe zielte nicht auf spezifisch musikalische Spezialisierung. Vielmehr unternahm er den Versuch, die an anderen Gegenständen – zumal an optischen Phänomenen – gewonnenen Ideen auch auf die Musik zu übertragen. Im Beitrag werden die Perspektiven aufgezeigt, unter denen die auf musiktheoretische Sach-verhalte gerichteten Bemerkungen in ihrer Einbettung in naturphilosophische Sichtweisen nachvollziehbar werden.
Im folgenden Beitrag soll die Lehrschrift L’art de moduler au violon von Auguste Panseron zum einen vom Blickwinkel der historischen Satzlehre aus beleuchtet werden. Insbesondere sollen die Funktion sowie die genaue Erscheinungsform der Oktavregel im Fokus stehen, die in Panserons Modulationssystematik eine tragende Rolle einnehmen. Hier werden unter anderem Aspekte ihrer Rezeptionsgeschichte und Tradierung zu erörtern sein. Außerdem soll in diesem Rahmen auch das im Frankreich des 19. Jahrhunderts mitunter schillernde Verhältnis zwischen Oktavregel und basse fondamentale diskutiert werden. Zum anderen möchte dieser Artikel L’art de moduler unter methodisch-didaktischen Gesichtspunkten betrachten. Aufzuzeigen, auf welche Art sich das Erbe der italienischen Partimento-Tradition in Panserons Schriften manifestiert, ist dabei nicht nur musiktheoretisch gesehen von Interesse, sondern vermag auch Impulse für die heutige klassische Streichinstrumentausbildung geben, in der das systematische und harmonisch fundierte Improvisieren Lernen noch immer ein Desiderat darstellt.
In diesem Text wird anhand der Skizzen die Genese der Schlussgruppe des 1. Satzes von Beethovens Eroica-Symphonie untersucht. Dabei lassen die unterschiedlichen Stadien des Skizzierungsprozesses erkennen, dass Beethoven von einem einfachen Gerüst ausging, welches er im Lauf des Kompositionsprozesses in einen komplexen, von retardierenden Momenten und Abschweifungen durchsetzten musikalischen Verlauf überführte. Die Ideen, durch welche (vor allem harmonische) Mittel dies geschehen sollte, standen dabei schon früh fest, nicht aber, an welchen Stellen diese Mittel zum Einsatz kommen sollten. Der Blick in die Werkgenese macht das Spezifische der Dramaturgie dieses Formteils deutlich. Denn Beethoven hat den Punkt, an dem Unerwartetes passiert, immer weiter nach hinten verschoben. Je näher wir dem Ziel kommen, desto mehr gerät zuletzt die Musik gleichsam ins Stocken und (scheinbar) auf Abwege.
Der tiefgreifende Wandel, den das Erscheinungsbild des Faches Musiktheorie in den letzten 40 Jahren durchlaufen hat, kann einerseits auf eine Reihe von – administrativen, hochschulpolitischen und inhaltlichen – Ursachen zurückgeführt werden. Andererseits erkennt man zugleich bemerkenswerte Parallelen zur Situation im 19. Jahrhundert, als ein dezidiert bildungsbürgerliches Selbstverständnis der Disziplin entstand.
Während der 1965 komponierte Liederzyklus Songs and Proverbs of William Blake einerseits in seiner Struktur und Dramaturgie sowie in seiner musikalischen Ästhetik innovativ und einzigartig ist, bezieht er sich andererseits auf Formen, Kompositionstechniken und melodische wie harmonische Topoi, die historisch fest verwurzelt sind. Der vorliegende Text möchte das für dieses Werk entscheidende Spannungsverhältnis zwischen Modernität und Traditionsbezug am konkreten Beispiel des ersten Lieds London aus einer analytischen Perspektive untersuchen.
Fuge in d-Moll
(2022)
Kanonische Satztechniken sind in den Bühnenwerken von Wolfgang Amadeus Mozarts Wiener Schaffensperiode häufig in solchen Werkabschnitten aufzufinden, die für den Handlungsfortgang eine Schlüsselfunktion einnehmen. Der Beitrag untersucht ausgewählte Beispiele aus Die Entführung aus dem Serail, Così fan tutte und Die Zauberflöte hinsichtlich ihrer kontrapunktischen Faktur und mit Blick auf ihre dramaturgische Funktion. Im Mittelpunkt der Analyse, die auch den kompositionsgeschichtlichen Kontext berücksichtigt, steht der Gesang der geharnischten Männer aus dem Finale des zweiten Aktes der Zauberflöte, eine innerhalb von Mozarts Bühnenschaffen singuläre Komposition.
Symmetrische oder regelmäßige Auf- und Verteilungen der Töne eines Tonfeldes auf die Ereignisse eines Tonsatzes dürfen als Beleg für die Behauptung gelten, dass eben diese Tonfelder durch die Komposition selbst artikuliert werden. Dieser Beleg ist in zwölftöniger oder zwölftontechnischer Musik deshalb von besonderer Wichtigkeit, weil die ständige Nähe der zwölf Tonqualitäten einer Oktave ansonsten jedes Tonfeld anzunehmen erlaubte.
Das Thema der C-Dur-Fuge aus dem ersten Band des Wohltemperierten Klaviers hat seine konkrete diastematische und rhythmische Gestalt insbesondere durch seine Verwendbarkeit für Engführungen im Quintabstand, wodurch es unterschieden ist von anderen Themen mit ähnlichen Konturen. Die zweite Hälfte der Fuge unterliegt dem Plan, neben den Engführungen im Quintabstand auch solche zu verwenden, die in allen Intervallen von der Prim bis zu Sextintervall enggeführt sind. Die sich dadurch ergebenden unterschiedlichen Einsatzabstände und Modifikationen der Themen werden diskutiert.
Agnus dei
(2022)
Die Choralkantate Wachet auf, ruft uns die Stimme (BWV 140) gehört zu den beliebtesten Bach-Kantaten. Insbesondere die Vertonung der mittleren Choralzeile Zion, hört die Wächter singen als Triosatz ist häufig Gegenstand musikwissenschaftlicher, aber auch künstlerischer Rezeptionen (beispielsweise in der Bearbeitung von Jacques Loussier). In diesem Aufsatz soll der Frage nachgegangen werden, wie man die auffälligen Dissonanzen im Soggetto erklären kann, welche Wirkung von diesen ausgeht und wie sie zum inhaltlichen Kontext der Kantate in Beziehung zu setzen sind.
Von überall nach überall. Daubes Modulationstabelle und die Redundanz in der Improvisationspädagogik
(2022)
Johann Friedrich Daube bietet in seiner Schrift Generalbaß in drey Accorden (1756) erstmalig eine Modulationstabelle von jeder Tonart in jede andere an. Daubes erklärtes Ideal ist es dabei, über wenige Zwischenschritte auch bei weit voneinander entfernten Tonarten einen für ›das Ohr‹ ansprechenden Übergang zu gestalten. Seine Herangehensweise verweist in Teilen auf spätere, funktionsharmonische Modulationskonzepte voraus, da systematisch der Quintsextakkord der vierten und der Septakkord der fünften Leiterstufe der Zieltonart erzeugt werden. Originell bis hin zur Skurrilität ist Daubes Verfahren der allmählichen Verwandlung der Klänge durch Einführung neuer Töne über liegenbleibenden Anteilen des Ausgangsakkordes, häufig im Widerspruch zu den gängigen Dissonanzbehandlungsregeln. Im Beitrag werden Daubes Modulationen in nahe und entfernte Tonarten erläutert und in den Kontext ihrer von Daube vorgeschlagenen Anwendungen beim Improvisieren von Präludien und im liturgischen Orgelspiel eingeordnet. Zum Schluss erfolgt eine Reflexion über Redundanzen und Tabellen in Lehrbüchern, die auf eine Didaktik des Auswendiglernens verweisen. Diese ist relevant für das Erlernen des Improvisierens, da eine Art musikalischer Wortschatz aufgebaut wird, der ohne weiteres Nachdenken verfügbar ist.
Adagio - The Tree Of Life
(2022)
Wahnsinn!
(2022)
Anhand der Imitationsstrukturen in der Fuge in f-Moll BWV 857 verfolgt dieser Beitrag mögliche Spuren der primär vokal dominierten Kanontheorie und -praxis des 17. Jahrhunderts. Dabei erschließen sich Funktionen von Kontrapunkt, die weniger mit motivisch-thematischer Arbeit als mit bestimmten Klang- und Raumvorstellungen. Parallelen zu italienischen Quellen wie Rocco Rodio und Athanasius Kircher sowie zu potentiellen Vorlagen in offen- oder latent doppelchöriger Musik von Orlando di Lasso verleihen hypothetischen Überlegungen über Kontrapunkt als Klangkunst im Barock eine gewisse Plausibilität.
Das Projekt MuTheUS (Musiktheorie im Unterricht der Sekundarstufe I) versteht sich als Grundlagenforschung zu einer von Einzelerfahrungen und oftmals nicht ausreichend belegten Behauptungen geprägten Debatte über den Sinn von Musiktheorie in der Schule. Es handelt sich um eine mehrperspektivische Studie zur Musiktheorie im Unterricht auf empirischer Basis. Sie geht mit vier Schularten über den bisher dominanten gymnasialen Bereich hinaus und nimmt außerdem systemische Unterschiede der Bundesländer Berlin und Baden-Württemberg in den Blick. Die beiden übergreifenden Fragestellungen lauten: Wie wird Musiktheorie – hier verstanden als Sammelbegriff, der die elementare allgemeine Musiklehre ebenso einschließt wie die fachterminologisch-analytische Reflexion über Musik – an Schulen gegenwärtig unterrichtet und wie bewerten Lehrende und Schüler*innen die gestalteten/erlebten Unterrichtspraxen? In der ersten Teilstudie des Projekts wurde eine Querschnittsbefragung von 375 Lehrenden mittels Online-Fragebogen durchgeführt. Legt man die Tendenzen erster Ergebnisse zugrunde, so scheinen sich einige Eindrücke von Lehrenden statistisch zu bestätigen, die häufig in Fachbeiträgen begegnen: etwa zu bevorzugten und vernachlässigten Unterrichtsinhalten, zum Verhältnis von Theorie und Praxis im Unterricht, zu deutlich anspruchsvolleren Schwerpunktsetzungen an Gymnasien sowie zu retrospektiv geäußerten Desideraten in Bezug auf die Berufsorientierung der Hochschullehre in Musiktheorie. Insgesamt zeigen sich bislang kaum Unterschiede zwischen dem Musikunterricht in Berlin und Baden-Württemberg.
Lullaby of Birdland
(2022)
Zentral sind ›Natur‹ und kulturell definierte ›Naturbeherrschung‹ in Musik und Ästhetik des 18. Jhs.; die ›Compositionswissenschaft‹ zwischen Handwerk und tiefgründiger theoretischer Reflexion vermischte sich mit Naturbegriffen, die heterogen scheinen, dennoch untereinander verwoben sind: Noble simplicité (edle Einfalt), der Geniebegriff Kants, die naturwissenschaftlichen Grundlagen des Tonsystems/der Harmonik/des Sensualismus bei Rameau, die Symbolik von C-Dur als Gravitationszentrum der Tonartenordnung, die Ästhetik des Erhabenen zwischen Schauer und Entzücken, Entsetzen und Überwältigung, Furcht und Staunen; ihnen entsprechen strukturell Monumentalität und Differenzierung, Erschütterung und Besonnenheit.
6 Vgl.
Seit der Uraufführung von Giacomo Puccinis Oper La fanciulla del West 1910 in New York herrscht in der Rezeption ein weitgehender Konsens darüber, dass dieses Werk trotz seines Wildwest-Sujets nur marginale Anteile amerikanischer musikalischer Idiomatik aufweist. Der vorliegende Beitrag unterzieht diese These einer kritischen Revision. Ein genauerer Blick erweist, dass Referenzen auf amerikanische Musik, d. h. auf Ragtime (nach dem Verständnis der Zeit) sowie den Minstrel und Plantation Song des 19. Jahrhunderts in Puccinis Partitur doch etwas zahlreicher sind, als in der Literatur bisher zugestanden wurde. Für den Umstand, dass sich Puccinis Amerikanismus nicht im vollen Umfang mitteilte, lassen sich zwei Gründe vermuten: Während die Zeitgenossen uneins oder unentschieden waren, was das Musikalisch-Amerikanische eigentlich konstituierte, ging späteren Generationen unter dem Eindruck des Jazz und seiner musikalischen Auswirkungen das Bewusstsein für die Stilmerkmale der älteren populären Musik der USA verloren.
Aurora borealis
(2022)
So gewöhnlich die Progression des doppelten Quintfalls ›ii-V-I‹ in dur-moll-tonalen Kontexten wie der Ganzschluss-Bildung oder der Quintfallsequenz auch ist, so markant tritt sie zugleich seit dem zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts in Erscheinung bei der Eröffnung einprägsamer Passagen wie Refrains in Liedern oder Klimaxen sowie Stretten in Instrumentalwerken. Zur Profilbildung im Sinne eines Satzmodells tragen häufig die unmittelbare Wiederholung der Initialprogression ii-V, die klanglich attraktive Gestaltung der ii. Stufe als Nonen-, Undezimen- oder Tredezimenakkord aber auch semantische Qualitäten wie die des glückseligen Ausnahmezustands wesentlich bei. Beim Vergleich ausgewählter Fälle aus dem Zeitraum von 1839 bis 2001 wird deutlich, dass die einfache Modellform mit dem grundständigen Septakkord der ii. Stufe in Dur in der Musik des 19. Jahrhunderts eher gemieden wird. Dass hingegen Vincent Youmans‘ Song Tea for two aus dem Musical No, no, Nanette (1924) deren früheste konzentrierte Ausprägung darstellt, ist der Grund für die in diesem Text erstmals vorgeschlagene Bezeichnung ›Tea for two‹-Modell. Die modischen Verwendungen dieses Modells im frühen Jazz werden abschließend ebenso vorgestellt wie subtile Rückgriffe in späterer Film-, Rock- und Popmusik.
An der 1869 gegründeten Hochschule für Musik in Berlin wurde Mitte der 1870er Jahre der Versuch unternommen, den Theorie-Unterricht neu aufzustellen und zu reformieren. Reinhold Succo, einer der Lehrenden in diesem Fach, verfasste zwei Schriftstücke, die als Ausgangspunkte für eine Um- und Neustrukturierung des musiktheoretischen Hochschul-Unterrichts gedacht waren, deren Quintessenz die Einführung der Lehre vom Kontrapunkt in den von ausschließlicher Beschäftigung mit der Harmonielehre geprägten Theorieunterricht war. Die von Succo vorgelegten Pläne entstanden im Rahmen einer Auseinandersetzung über Sinn und Zweck des Theorieunterrichts und präsentieren sich durch das im Gegensatz zu der üblichen Unterrichtspraxis stehende Einfordern von Eigenversuchen und Eigenleistungen der Studierenden als erstaunlich vorausschauend und modern. Succos Bemühungen hatten keinen Erfolg, und es blieb bei dem, was noch etwa drei Jahrzehnte später als ›isoliertes und grämliches Dasein‹ der Theorie beklagt wurde.
Algorithmus in G
(2022)
Drei Violinen
(2022)
Amy Beach veröffentlichte im Jahr 1894 ihre Ballade für Klavier Des-Dur op. 6, die auf dem 1887 entstandenen Lied My luve is like a red, red rose nach Worten des schottischen Dichters Robert Burns basiert. Diese Untersuchung von formalen, motivisch-thematischen und harmonischen Merkmalen der beiden Kompositionen thematisiert den intertextuellen Zusammenhang des Werkpaars und die Art und Weise, wie das Lied und die Ballade miteinander in Beziehung treten. Trotz seiner starken Gebundenheit an die frühere Komposition ist das Klavierwerk kein bloßes ›reworking‹ des Liedes, sondern kann als eigenständige Neuschöpfung gelten.
Anhand von Traktaten von Lodovico Zacconi, Rocco Rodio und Adriano Banchieri rekonstruiert der Beitrag eine Improvisationspraxis, die in der Kirchenmusik in Italien im frühen 17. Jahrhundert eine prominente Rolle gespielt hat. Didaktische und methodische Überlegungen skizzieren daraufhin Einstiegsübungen im improvisierten Kontrapunkt im Rahmen der Hochschullehre sowie in vor- und außerhochschulischen Bereichen, die an diese Praxis anknüpfen.
erfassen
(2021)
Im Zuge der Ausbreitung von multi-sensorischen, computerbasierten
Technologien wird „erfassen“ zunehmend als eine automatisierbare
Tätigkeit zur Sammlung von Daten behandelt. Einer solchen Konzeption
entgegen werde ich „erfassen“ als einen beziehungsstiftenden Prozess
deuten, innerhalb dessen Bindungen – Ver- und Entbindungen – entstehen
und aus denen Daten als Transformationen hervorgehen.
konstellieren
(2021)
vergessen
(2021)
Zum Wissen gehört das Nicht-mehr-Wissen, das Vergessen. Vergessen setzt
voraus, dass etwas gewusst wurde, aber dem Gedächtnis nicht mehr
zugänglich ist. Etwas ist uns entfallen – heruntergefallen, weggefallen,
manchmal auch befallen. Für die Psychoanalyse gehört das Vergessen mit
dem Versprechen und Vergreifen zur Psychopathologie des Alltagslebens. Es
liefert einen Hinweis auf Motive und Wünsche, die wir uns nicht
eingestehen, ohne dass bereits eine Verbannung des Gedankens erfolgt ist
wie beim Verdrängen oder Verleugnen.
kartieren / mapping
(2021)
Kartiert – oder „gemappt“ – wird heute fast alles, wenn man zum Ausdruck
bringen möchte, dass Relationen beim Verständnis von Orten oder
Sachverhalten eine Rolle spielen. Mentale und materielle Karten sind zum
Inbegriff der Vorstellung von Netzwerken geworden, seien sie räumlicher
oder anderer Natur. Ausgehend von einer sehr alten Praxis der
zweidimensionalen Notation von Gelände, Geschichte und Gesellschaft,
lässt sich am Kartieren / Mapping sehr gut beobachten, wie eine Form der
(u. a. künstlerischen) Visualisierung von Räumen aller Art
Wissensbestände konstruiert.
einschreiben
()
In meinem Dissertationsprojekt zu polnischen Künstlerinnen der 1970er
Jahre untersuche ich Strategien zur Herausarbeitung eines spezifischen
Künstlerinnenbildes. In Anlehnung an aktuelle Forschungen zur
Emanzipation im Staatssozialismus frage ich, inwiefern sich die Praxis
der Künstlerinnen in den historischen Diskurs feministischer Kunst
einschreibt oder aber diesen neu justiert.
bezeugen
(2021)
Die Gefangenen und Entlassenen des Gefangenenlagers Guantánamo haben in
unterschiedlichen Formen von der Folter, ihrem Widerstand und Überleben
Zeugnis abgelegt. Die jüngsten Ausstellungen Ode to the Sea und
Guantánamo [Un]Censored haben die Frage dringlich gemacht, wie auch die
Kunstwerke der Gefangenen als Zeugnisse zu verstehen sind. Der Beitrag
diskutiert diese Frage am Beispiel einer unbetitelten Arbeit des bis
heute festgehaltenen Khalid Qasim. An ihr lassen sich die Mobilität von
Kunstwerken, ihre Autonomie vom bezeugenden Körper sowie ihre materielle
Intensität als Verfahren künstlerischer Zeugenschaft ausmachen.
Die Geschichte der Dekolonisation als langanhaltende politischökonomische
Befreiungsgeschichte umfasste immer auch künstlerische
Produktionen, Artikulationen und ästhetische Strategien der Subversion
sowie intellektuelle Positionen.
In diesem Essay werde ich mit Fokus auf Kunstproduktionen in den
Bereichen Musik, story telling – hier einschließlich Literatur und
Theater – und Bildender Kunst eine Geschichte der politischen
Dekolonisation und eine Geschichte dekolonialer Kunstproduktion
skizzieren.
modellieren
(2021)
Während es zahlreiche wissenschaftlich-theoretische Untersuchungen zum
Modell gibt, findet sich das Modellieren zumeist eher in praktischen
Anleitungen für Künstler*innen unterschiedlicher Disziplinen. Der Vortrag
versucht sich an Überlegungen zu der produktiven Spannung zwischen dem
Verschwimmen von Modell(gegenstand) und der Praxis des Modellierens.
listening / zuhören
(2021)
Der Beitrag problematisiert die Diskrepanzen zwischen einem noch von
romantischer Subjektivität charakterisierten „Zuhören“ und einem
aktuellen Verständnis, welches sich bisher trotz deutlich verlagerter
Paradigmen in zeitgenössischer Musik nicht unbedingt in den Standards
musikalischer Ausbildung durchgesetzt hat. Erst die jüngste
musikwissenschaftliche Vergangenheit unterzieht implizite Normen von
Zuhören einer kritischen Revision. Am Beispiel hörend-reaktiven
Verhaltens in Vinko Globokars Orchesterkomposition Concerto Grosso
(1969/75) wird versucht, Formen des Zuhörens im Kollektiv als eher
produktive denn rezeptive Handlungsmodi zu identifizieren mit der
Aussicht, diese auf ältere Repertoires zurückzuspielen.
choreographieren
(2021)
In einem erweiterten Verständnis scheint „choreographieren“ auf eine
Kunstfertigkeit zu verweisen, Körper, Dinge und Medien raum-zeitlich in
Kräftefelder von Bewegungsartikulationen zu bringen und miteinander zu
vermitteln. Keineswegs mit der Tätigkeit eines*r Choreograph*in
identifiziert, verwebt Choreographieren Heterogenes und schafft damit
Beziehungsgefüge von Bewegungen, die seit geraumer Zeit nahezu überall am
Werke zu sein scheinen. Was hat es damit auf sich?
anerkennen
(2021)
In den Sozialwissenschaften hat sich die Bedeutung von ,anerkennen‘ seit
gut zwei Jahrzehnten von einem normativen zu einem analytischen
Begriffsverständnis verlagert. Zwischenmenschliche Anerkennungsakte
werden inzwischen weniger auf eine gelungene oder misslungene
Wertschätzung bestehender Identitätseigenschaften, sondern auf seine
Ambivalenzen hin untersucht, u.a. auf zugleich bestätigende wie
identitätserzeugende Momente und auf dahinter liegende gesellschaftliche
Macht- bzw. Normierungsverhältnisse. Mit dem Konzept der
sozioästhetischen Anerkennung erweitert der vorliegende Beitrag die
bestehende Diskussion und geht der Frage nach, wie sich
Anerkennungspraktiken unter Jugendlichen anhand von Musikgeschmack
vollziehen und welche Anerkennungstechniken angewendet werden.
bilden
(2021)
Ausgehend von einem spezifischen Erkenntnispotential künstlerischen
Wissens soll die Frage nach den bildenden Möglichkeiten künstlerischer
Praktiken gestellt werden. Produktionsästhetisch gewendet, geht es nicht
darum, sich durch Künste zu bilden, sondern nach Bildungsprozessen in
künstlerischer Praxis zu fragen.
schreiben
(2021)
Schreiben ist eine verkörperte Wissenspraxis. Unübersehbar ist das im
Werk Hélène Cixous’, wo Denkbewegungen des Körpers in jene des Texts
übergehen. Der Beitrag spannt den Bogen zwischen zwei Essays aus den
Jahren 1975 und 2020. Hier beginnt Schreiben mit dem Schreien, wodurch
besonders die akustischen Dimensionen der Schrift, des Lesens und des
Schrei…bens wahrnehmbar werden.
poetisieren
(2021)
zweifeln
(2021)
Die Philosophie kennt den Zweifel als Methode: Indem alles dem Bewusstsein Gegebene aufgerufen und als Grundlage der Erkenntnis verworfen wird, gelangt das denkende Subjekt zu der unbezweifelbaren Gewissheit, dass es denkt. Eine solche erkenntnistragende Gewissheit spricht die Philosophie der Kunst und der ästhetischen Erfahrung ab.
Dabei kennt auch die Malerei Zweifel an den sinnlichen Gegebenheiten, die sie nur scheinbar unbefragt ins Bild setzt. Der Beitrag folgt dem Bildzweifel als Verfahren künstlerischen Forschens und als Form eines sensiblen Wissens, das sich aus einem Exzess an Ungewissheit speist.
abduzieren
(2021)
wissen
(2021)
Das Wissen der Künste ist ein Verb – aber was für ein Verb? Am Beginn des
Graduiertenkollegs vor neun Jahren stand die Frage nach dem Wissen der
Künste und es war von impliziten, von habitualisierten, von
inkorporierten, von prozessorientierten u. a. Formen des Wissens die
Rede. Nun stehen am Ende der Kollegarbeit eine verb list und die These:
Das Wissen der Künste ist ein Verb! Ein kleiner, kursorischer Abriss
einer Kunstgeschichte der verb list möchte dazu beitragen, das Wissen der
Künste in Verben – und vermittelt darüber auch das Verb „wissen“ –
genauer zu charakterisieren.
verschalten
(2021)
Verschalten meint eine Praktik des Kombinierens und Umwidmens von
vorhandenen Materialien zur Herstellung elektrischer Schaltungen. Der
Vortrag wird am Beispiel des Rauschgenerators NG-04 nach Hans-Jochen
Schulze und Georg Engel diskutieren, wie sich diese vom Schalten, also
mathematischer Papierarbeit, unterscheidet.
aneignen
(2021)
Sich Artefakte oder auch Musikpraktiken aus einem fremden kulturellen
Kontext anzueignen, verlangt immer einen Umdeutungsprozess. Jenseits
einer Dialektik von „Original und Nachahmung“ sind Prozesse von
Aneignung, Appropriation und produktiver Rezeption als performative
Antworten auf lokale Bedürfnisse zu verstehen.
transformieren
(2021)
Im Rahmen ästhetischer Prozesse spielt der Übergang zwischen verschiedenen Medien und Modi des Wissens oft eine zentrale Rolle. Der Beitrag untersucht anhand von visuellen Beispielen aus künstlerisch gestalteten Bilderbüchern die Möglichkeiten, durch ästhetische Transformationen neue Formen des Wissens zu generieren.
a bis z
(2021)
Die gemeinsame Arbeit am DFG-Graduiertenkolleg „Das Wissen der Künste“
hört auf, wir blicken zurück. Ein Gespräch über das Verhältnis von
Künsten und Wissenschaften, über Forschung an einer Kunstuniversität,
Kritik und Situiertheit von Wissen und über das, was abhanden gekommen
ist und wieder aufgefunden wurde.
üben
(2022)
Künstlerische Praxis ist in hohem Maße durch komplexe Übungsformen
konfiguriert, durch die implizites und explizites Wissen ausgebildet,
tradiert und kanonisiert wird. Das Üben ist ein Schlüssel in der
Geschichte und Gegenwart der Akademisierung der Künste und sollte Teil
ihrer institutionellen Selbstreflexion sein.
reflektieren
(2022)
Das Zurückwerfen, Widerspiegeln, in der Darstellung Überprüfen oder
Reflektieren einer Erscheinung ist tief in der Kunst verwurzelt, in deren
langer Geschichte immer wieder neue Antworten auf die Fragen, was wie
dargestellt und hinterfragt wird, gefunden wurden. Anhand der
zeitgenössischen performativen Künste und ihrer Probenprozesse wird das
Reflektieren als Mittel der Selbstbefragung der Künste und der
Herstellung künstlerischen Wissens untersucht.
listening / zuhören
(2022)
Listening appears as a research strategy: listening to remember, to
resonate, to fill the gap, to unpack, to participate, to endeavour, to
write, to read, to represent, to witness, to change, to resist, to learn,
to un-learn, to dream, to imagine, to meditate, to fall, to question, to
reveal, to travel, to envision, to feel, to wonder, to ask, to think, to
navigate, to dig, to bind, to murmur, to say loud, to share, to commit,
to repair, to speak out, to meet, to hear, to dwell … in becoming.
symbolisieren
(2022)
dokumentieren
(2021)
Während der Abschlussveranstaltung bot Bas Böttcher ein Poetic Recording dar. Seine zwei Spoken-Word-Performances entstanden während der Tagung und reflektierten die Tagung selbst, auf direkte und kreative Art. Am 7. Mai wurden die Inhalte der Podcasts und am 8. Mai die drei Paneldiskussionen im poetischen Protokoll zusammenfasst.
sein
(2021)
Das Konzept von ‚Sein‘ kommt nicht ohne einen Verweis auf Martin
Heideggers Buch Sein und Zeit aus. Bekanntester Ausdruck seines Werks ist
das In-der-Welt-sein, welches die Situiertheit des Daseins beschreibt.
Der Vortrag beschäftigt sich mit der Frage, wie sich Heideggers Konzept
des In-der-Welt-sein zu Donna Haraways Konzept des situierten Wissens
verhält und umgekehrt.
listening / zuhören
(2021)
situieren
(2022)
Was hat site-specificity mitsituated knowledges zu tun? Der
Glossarbeitrag liest einen kunsthistorischen Aufsatz zur Geschichte der
site-specificity mit dem Grundlagentext von Donna Haraway über situated
knowledges zusammen, und kommt zu dem Schluss, dass es genau so wichtig
ist, die site, an der man sich oder eine künstlerische Arbeit verortet,
multidimensional zu verstehen, wie an einer partiellen Objektivität der
eigenen Position festzuhalten.
anleiten
(2021)
Eine Unterhaltung über die Kunst des Anleitens und das Ausüben von
Anleitungen; mit einem Abstecher ins Programm der dritten Fernsehkanäle
zu Vormachguru Bob Ross und dann noch zu Einblicken in eine aktuelle
Sammelleidenschaft zum Thema Aufgabenstellungen und vermutlich ohne zu
antworten: Lässt sich Kunst anleiten oder ist es gar (k)eine Kunst?
schmuggeln
(2021)
Dieser Beitrag ist kein Glossareintrag im engeren Sinne, da er keine
Definition für den Begriff des ‚Schmuggels‘ bietet. Vielmehr dockt er an
das ‚Schmuggeln‘ als ein Modell für das Kuratorische an. Und indem er
einige Gedanken eines früheren Textes von mir wieder aufgreift, erweitert
er den Begriff, um eine Praxis zu konnotieren, mit der es hoffentlich
möglich ist, von innen heraus den institutionellen Rahmen der Kunst neu
zu gestalten. Aus meiner Perspektive als Kunst- und Kulturschaffende of
Color in einem europäischen Kontext schlage ich hiermit das „Schmuggeln“
als Methode einer langsamen und stillen Subversion vor.
Weiterdenken: FAKTEN SCHAFFEN! Sieben Thesen zum Dokumentieren in den Künsten und Wissenschaften
(2017)
Während der Konzeption der Veranstaltungsreihe wie auch der Onlinepublikation FAKTEN SCHAFFEN. entstanden Arbeitsfragen und -thesen, die das Verhältnis von Dokumentieren und Dokumenten in den Künsten und den Wissenschaften näher zu bestimmen versuchten. Als Abschluss und Ausblick stellen die Organisator_innen der Veranstaltungsreihe hier sieben Thesen zur Disposition.
Wie lassen sich Theater und Tanz als ‚flüchtige‘ Künste dokumentieren und archivieren? Welche Bedeutung haben Dokumente für die Reflexion und Vermittlung von Tanz- und Theaterereignissen? Wir haben Virginia Thielicke und Franz Anton Cramer eingeladen, über das Aufzeichnen und Vermitteln von Tanz- und Theaterkunst zu sprechen. Während Virginia Thielicke im Rahmen eines erfahrungsorientierten Rezeptionsverfahren für die Theaterpädagogik Dokumente als Antworten auf zeitgenössische
Theaterproduktionen betrachtet, stellt Franz Anton Cramer Strategien der Dokumentation und Archivierung in Tanz und Performance anhand von Befunden aus dem Forschungsprojekt „Verzeichnungen“ (2012-2015) vor.
Anhand des Luftschiff-Projekts von Francesco Lana de Terzi aus dem Jahr
1670, kann eine wichtige Phase des Entwurfsprozesses dargestellt werden:
Die Prozessualität des Entwurfs endet nicht mit der vermeintlich finalen
Zusammenstellung eines Konzepts, sondern ist selbst wiederum die
Grundlage für weitere Entwürfe. Ziel dieses Beitrags ist es, den Prototyp
als Provisorium im Kontext des Entwurfsverfahrens zu untersuchen.
Gaffa-Tape: Ein Material, das wie kaum ein anderes derzeit eine eigene Fankultur um sich schürt. So heißt es in dem Song Schwarze Wolke des deutschen Rappers Prince Pi von 2013: „ … jedes Problem lösbar mit Gaffa und Schweizer, der gute alte MacGyver …“. (Prince Pi: Schwarze Wolke, Album: Kompass ohne Norden) Der Verweis auf die TV-Figur Angus MacGyver, bekannt für die Fähigkeit, die unmöglichsten Probleme mit simplen Materialien lösen zu können, weist nicht nur auf die Beliebtheit des Klebebandes, sondern auch auf dessen Potenziale bezüglich eines intelligenten, provisorischen Problemlösens hin.
Spaces of Collectivity
(2021)
How is it to act collectively when each one of us brings our own
perspective, values, assumptions, and also our own language? How does
from the many become ‘one’? What compromises does one need to make on the
way? These were the questions we explored during the workshop Spaces of
Collectivity. The aim was to collectively experience and enjoy space,
while noticing how different our perspectives on it are, and how being
able to talk about them, is key to any collective act of visioning,
making or caring for space. Maps, as final products, and map-making, as
the process of making these, became the tools to visualise and thus be
able to better discuss these challenges.
Periphera : Fotostrecke
(2021)
What are recent examples of practices in which ‘assembling’ and
‘disseminating’ reconfigure agencies, resources, affects and information
to give rise to new forms of collectivities? This round table brings
together Björn Heerssen and Noel David Nicolaus from the
interdisciplinary collective Clusterduck, and sociologist Serhat
Karakayali to ask about the relationships and interdependencies between
‘assembling’ and ‘disseminating’ as constitutive mechanisms in processes
of collectivization. How do agencies, resources, affects and information
elevate processes of creating collective feelings? Together we discuss
how ‘assembling’ and ‘disseminating’ take shape in each example, leading
to different forms of collectivities; what practicable mechanisms,
interfaces and infrastructures come into play; and how do these two
instances approach possibilities of collective interaction
in terms of
‘sharing’ and ‘learning’.
FAKTEN SCHAFFEN am 27.11.2016: Die Moderatorin und Autorin dieses
Artikels fragt die Gäste auf dem Podium, wie die spezifische
Körperlichkeit der Theaterakteur_innen in ein Archiv Eingang finden kann
und bekommt die Antwort: „Gar nicht!“ Mit dieser zwar zutreffenden, aber
nicht zufriedenstellenden Antwort begann eine Spurensuche nach Ansätzen,
wie die Darsteller_innen des Theaters zu dokumentieren seien. Welche
Konzepte gibt es? Welche Besonderheiten bestehen für die Dokumentation
von Performer_innen im Gegensatz zu Schauspieler_innen?
What practices constitute the commons? What are the conditions of the
situated processes of commoning? What and how do we thereby learn? What
would constitute a new sense of sharing, distributing, partaking? And,
how can we take the idea of relationality seriously and institute
structures of reciprocity between art, academia, and activism? To address
these questions the round table commoning/communing brings together three
projects focusing on urban practices of commoning.
Am Beispiel unserer Arbeit an der Ausstellung und Lecture Performance G20
reflektieren wir, was Teilen und Lernen im interdisziplinären
Zusammenarbeiten zwischen einem Künstler und einer Wissenschaftlerin
bedeuten kann: was haben wir gemeinsam gelernt, was haben wir als
Einzelne gelernt? Welche Arten des Teilens haben funktioniert, wo
bestehen Brücken zwischen dem jeweilig Eigenem (was immer das ist) und wo
bleiben Lücken?
Wir stellen zunächst den Prozess in einem gemeinsamen Textteil dar und
teilen die Reflektion in je eigene Textteile auf. Zum Abschluss suchen
wir wieder eine gemeinsame Sprech- bzw. Schreibposition. Dabei reden wir
notwendigerweise aus der Position von Produzent*innen und nicht als
Rezipient*innen.
The round table instituting/fleeing addresses collective practices as
forms of resistance against power asymmetries – as activist strategies.
It focuses on the entangled dynamics between fleeing and occupying the
institution and the role institutional critique plays in these dynamics.
We will map out our different collective practices by posing questions,
such as: How can we understand the different ways the institution and the
collectives are linked? How to create collectives within the institution?
How can collectives flee or occupy the institution? Who can flee and
where to? How do institutions appropriate and destroy collective
structures?
The Practice of Resistance
(2021)
In June 2019, I held the workshopcooking, playing and sharing at the
symposium sharing/learning: methods of the collective in art, research
and activism by the DFG-Graduiertenkolleg “Das Wissen der Künste”, Berlin
University of the Arts (UdK), at/in cooperation with District * School
without Center.
I invited guests to explore how to come together spontaneously,
creatively and intuitively for preparing a feast without previously
knowing the recipe and without a recipe. The main idea was how to make a
meal with the ingredients, we would have available, and share it between
the participants of the event. Noncooking Knowledge was required. As it
usually happens in my proposals, the practice has taken other directions.
What are the reasons behind a newfound popularity of collectives within
art economies? Could it be that collective practices are a necessary
answer to the challenges faced by (creative) workers in late capitalist
society? To reflect these questions, we take this text as a starting
point to try to critically assess our own personal history as an internetbased
research collective.
This text was part of the opening to the symposium sharing/learning:
methods of the collective in art, research and activism and was read on
28th June 2019, in English, by two members of the organizing team, as
introductory words. The text deliniates the central questions from which
the two-day gathering arises, as well as its methodologies and actors.
Many formulations originate from previously written concept papers, which
were used to present the project for various purposes. These in turn are
informed by the many conversations that took place within the
organizational team – a group of people whose constellation was shifting
along the way – orally as well as in writing.
Ausgehend von der asiatischen Tradition der Gelehrtensteine lotet Su-Ran
Sichling das Verhältnis von Natur und Kultur aus. In ihrer
Auseinandersetzung mit den Werkstoffen der Nachkriegsmoderne,
insbesondere Terrazzo und Waschbeton, beobachtet sie Bezüge zwischen der
Pseudonatürlichkeit der Materialien und der Pseudonatur einer Geschichte
der BRD, die sich erst langsam als Einwanderungsland zu verstehen
beginnt. Dabei fragt ihre Arbeit auch, inwieweit sich ein sinnlicher,
materialitätsbetonter künstlerischer Ansatz mit einer Agenda der artistic
research verträgt, die im Zusammenhang mit dekolonialen Debatten Inhalte
häufig gegenüber der Form privilegiert.
Das verstreute Material, das die Tournee des Indischen Balletts der Leila
Roy-Sokhey alias Madame Menaka 1936 bis 1938 durch Deutschland und Europa
dokumentiert, ist die Grundlage der in diesem Beitrag dargelegten
Überlegungen über das Ordnen, Präsentieren und die künstlerische
Erforschung eines globalen und intersektionalen Ereignisses zwischen
Deutschland und Indien. Die komplexen Prozesse der Begegnung, Aushandlung
und Neukonfiguration von Wissen im transkulturellen Kontext sollen
darüber hinaus Gegenstand einer künstlerischen Auseinandersetzung werden.
In response to this issue’s call to “engage aesthetic processes of
remembering,” this paper analyses Fair Play (2014), a stereoscopic 3-D
cinema installation by Toronto-based filmmaker Ali Kazimi. Produced in
conjunction with the centennial anniversary of the arrival and detainment
of the Komagata Maru steamship in Vancouver, British Columbia, Canada,
the installation engages in an act of critical commemoration by imagining
the lives of members of the South Asian diaspora affected by this
incident. I argue that by centering affect within the formal and
conceptual framework of the installation, Kazimi produces a decolonial
aesthetic that restructures our relationship to this past, bringing to
the fore ways of living and knowing that had previously been devalued and
violently erased by colonial agendas and neoliberal art historical
critiques.
‘Looking Back Forward_Quip Nayr’ is based on the Aymara concept of time
and space called ‘qhip nayr’. As the Bolivian sociologist Silvia Rivera
Cusicanqui refers to it, ‘quip nayr’ is a way of looking into the past to
orient your path to the future. I use this concept to reflect on
processes of change, concerning language, identity and place. Expressing
identity on fabric recuperates my ancestors’ tradition from the Andean
region in Abya Yala (Latinamerica). The layering of textiles is inspired
by Gloria Anzaldúa, who uses fabrics as a synonym to talk about the
construction of identity in her concept ‘Haciendo Caras’.
Zeitgenössische Theaterstücke von etlichen afrikanischen und afrodiasporischen
Künstler_innen weisen im Theater eine Vielzahl ästhetischer
Verfahren innerhalb eines breiten Spektrums dekolonialer Ästhetiken auf.
Kunstschaffende bringen – so die zentrale These – eine Ästhetik des
Aufruhrs hervor, die nicht allein mit dem Prinzip des delinking zu fassen
ist, sondern Prinzipien der Erhebung, des Aufschreis und des Verlachens
umfassen. Künstler_innen kritisieren und dekonstruieren mittels
satirischer, absurder und grotesker Elemente koloniale und postkoloniale
Herrschaftsverhältnisse und nutzen das Verlachen von Gewaltverhältnissen
als eine wichtige subversive Strategie. Diese These exploriere ich anhand
des Stücks Im Namen des Vaters, des Sohnes und des J.M. Weston des
kongolesischen Dramatikers Julien Mabiala Bissila.
For Issue 8 of wissenderkuenste.de, filmmaker Ali Kazimi has contributed
five images from an anaglyph version of his installation Fair Play. The
principle is simple: Each stereo image consists of a pair of images: one
for the left eye and the other for the right eye. All stereo viewing
systems seek to isolate the images, so the left sees only the one
intended for it, and the right sees the one intended for it. Our brain
creates the perception of a 3D image while viewing a 2D screen by fusing
these two slightly offset images together. Fair Play brings together all
strands of Kazimi’s research including stereoscopic 3D filmmaking,
stereoscopic 3D photographic history and images, as well as early
twentieth-century Canadian immigration history and colonialism.
In seinem Vortrag diskutierte Friedrich Balke den Film Havarie von Philip
Scheffner als eine komplexe Auseinandersetzung mit dem von Hans
Blumenberg eingeführten Topos Schiffbruch mit Zuschauer. Ganz ähnlich der
Videoaufnahmen der Zuschauenden, die als Ausgangsmaterial des Films die
Havarie beweisen, haben wir versucht, die Vortragssituation in der
Berliner Universität der Künste mittels eines 3D-Laser-Scans festzuhalten.
With her photographic series Character Recognition (2006–2007) U.S.
artist Myra Greene examines historical constructions of race and racist
ways of looking from a perspective that undermines the assumed neutrality
of photography. She transforms the old ambrotype technique and encourages
to reflect on the power that visual technologies hold over the
representation of race and identity. Greene recalls yet disobeys
nineteenth-century ethnographic visual practices and looking
instructions, creating a technical and metaphorical deferral of the past
into the present and of the present into the past. Her photographic
practice unveils the ongoing violent effects of nineteenth-century
scientific racism on present-day bodies and embodied ways of looking. At
the same time, Character Recognition gives new life to the archives of
visual colonialism and experiments with photographic representation and
body memory as tools for decolonial options of non-normative (visual)
spaces.
Memoirs of Saturn
(2020)
In a set of para-fictional texts which interweaves the life of cultural
historian Dr. Shahidul Zaman with key moments in the ruptured history of
Bangladesh, the artist Omar A. Chowdhury, builds a reflexive mirror to
examine the nature of memory, of historiography, and the processes of the
art system. Recounting the history of an exhibition that was censored and
closed down in Dhaka in 2016, Chowdhury constructs a narrative that
doubles back on itself along multiple axes of the personal and public as
he and Dr. Zaman delve into the uncertainties in the presentation of
identity, the recollection of history, and the compromises of political
commitment.
In this work, I relate to the path of conocimiento, a concept developed
by Gloria Anzaldúa, which is a form of spiritual inquiry/activism,
reached via creative acts—writing, art-making, dancing, healing,
teaching, meditation, and spiritual activism. In writing and drawing, I
weave lines to different realities: the rural upbringings of the women
who raised me, my migration from the Third World, the meaning of home and
belonging, and my connection to all that exists on the planet as
political consciousness.
Looking at examples of presenting practices in Berlin and Toronto, this
essay sketches the difficulties that arise when embarking on a curatorial
practice with a decolonial impulse. This text is a partner to “On
Smuggling and Drawing. A Conversation in Blocks”, a dialogue between
curator Juana Awad and artist Luisa Ungar, written in 2020 and appearing
in the publication Künste dekolonisieren. Ästhetische Praktiken des
Lernens und Verlernens (edited by Julian Bauer, Maja Figge, Lisa
Grossmann, Wilma Lukatsch; Berlin, Transcript Verlag, forthcoming.)
But while the dialogue focuses on Ungar’s creation process of the over
one hundred original drawings intervening throughout the publication,
this essay brings to the forefront Awad’s questions about, and
experiences and observations with the mingling of the curatorial and the
decolonial, from her perspective as a curator and cultural worker.
Within documentary practices the relationship between fact and fiction is
constantly renegotiated. The films and videos by John Smith address this
relationship in a special way, disarrange it, and in doing so, reveal the
conditions of producing filmic truth. We invited John Smith to show his
films and comment on them in this regard. Here we present audio
recordings of his statements and short descriptions of the films he
referred to. In the following text, film scholar Volker Pantenburg points
out the importance of John Smith’s voice in his films, it creates a
reflexive level. In a similar way, the audio files create a commentary
level for the films in this article. Additional drawings by the Berlin
based artist Maxim Bauer illustrate the conversational character of the
evening.