7 Künste und Unterhaltung
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Ausgewählte Handzeichnungen
(1924)
Forschungsfrage:
Wie kann der digitale offene Zugang zu Sammlungsgut im Museum gedacht und praktiziert werden, der den übergreifenden Kennzeichen eines offenen Zugangs entspricht und zugleich jene Themen und Herausforderungen berücksichtigt, die sich in diesem Zusammenhang stellen?
Weiterführende Fragen:
Was ist offener Zugang? Wie können die übergreifenden Kennzeichen des offenen Zugangs auf Sammlungsgut im Museum angewendet werden? Welche thematischen Facetten, bisher nicht oder wenig reflektierte Themenfelder oder Herausforderungen sind im Zusammenhang von offenem Zugang und Sammlungsgut zu berücksichtigen – jenseits rechtlicher, technischer und ökonomischer Aspekte? Gibt es ethische, soziale oder kritisch-kuratorische Fragen, die wir uns stellen müssen, um den offenen Zugang im Museum in einer Weise zu gestalten, dass dieser den Spezifika von Sammlungsgut gerecht wird?
Ziel der Arbeit:
Ziel der Arbeit ist es, ausgehend von den identifizierten, übergreifenden Kennzeichen eines offenen Zugangs und den spezifischen Themen, Herausforderungen und Facetten, die in diesem Zusammenhang mit dem offenen Zugang zu Sammlungsgut zu berücksichtigen sind, Handlungsfelder zu entwickeln.
In der Dissertation werden acht Handlungsfelder identifiziert und ausformuliert:
Handlungsfeld 1: Zugang für alle
Handlungsfeld 2: Uneingeschränkte Nutzbarkeit
Handlungsfeld 3: Sensibilisierung für sensible Inhalte
Handlungsfeld 4: Kritische Selbstreflexion
Handlungsfeld 5: Pluralismus und Partizipation
Handlungsfeld 6: Transparenz
Handlungsfeld 7: Standardisiertes und kritisches Datenmanagement
Handlungsfeld 8: Nachhaltigkeit
Da diese Handlungsfelder an den spezifischen Anforderungen von Sammlungsguts im Museum ausgerichtet sind, bieten sie für die Museumspraxis eine umfassende Orientierung.
Die Universität der Künste Berlin ist – als Resultat einer Geschichte mit Brüchen – jung und alt zugleich. Ihre heutige universitäre Struktur bildete sich, ausgehend von der Gründung der Hochschule der Künste 1975, erst in den letzten Jahrzehnten aus. Dank einer Vielzahl von Vorgängerinstitutionen besitzt sie jedoch eine verzweigte, mehr als 300-jährige Geschichte, die schwer zu überblicken ist.
Im vorliegenden Verzeichnis werden die Lehrenden aller Vorgängerinstitutionen mit ihren Lebensdaten, Fachgebieten und ihrer beruflichen Laufbahn an den jeweiligen Schulen aufgeführt. Kurze Einleitungen stellen die jeweilige Kunst-, Musik- oder Theaterschule als solche vor. Das Verzeichnis erwuchs aus der praktischen Archivarbeit. Es ist als ein Hilfsmittel für die Archivnutzung, aber auch als ein historisches Nachschlagewerk gedacht.
Weiterdenken: FAKTEN SCHAFFEN! Sieben Thesen zum Dokumentieren in den Künsten und Wissenschaften
(2017)
Während der Konzeption der Veranstaltungsreihe wie auch der Onlinepublikation FAKTEN SCHAFFEN. entstanden Arbeitsfragen und -thesen, die das Verhältnis von Dokumentieren und Dokumenten in den Künsten und den Wissenschaften näher zu bestimmen versuchten. Als Abschluss und Ausblick stellen die Organisator_innen der Veranstaltungsreihe hier sieben Thesen zur Disposition.
Die Forschungsarbeit befasst sich mit dem Gebrauch von Klimatechnik zur thermischen Konditionierung von Wohnraum. Das tägliche Heizen und Lüften im Winterhalbjahr verbraucht rund drei Viertel der Energie, die zum ganzjährigen Betrieb von Wohngebäuden notwendig ist. Diese Menge entspricht fast einem Viertel des gesamten Energieverbrauchs der Bundesrepublik Deutschland und hat somit für die ressourcenschonende, nachhaltige Entwicklung des Landes eine hohe Relevanz. Wie verschiedene Forschungsstudien bereits vor Jahren festgestellt haben wird der Energieverbrauch von Wohngebäuden nicht nur durch die Qualität der Gebäudehülle und die Effizienz der Gebäudetechnik bestimmt, sondern ist wesentlich vom Verhalten der Bewohner*innen abhängig. Die komplexe Wechselwirkung zwischen Mensch, Technik und Umwelt wird im fachlichen Diskurs zum energieeffizienten und nachhaltigen Bauen in der Regel nachrangig betrachtet und die Wirksamkeit technischer Strategien zum Klima- und Ressourcenschutz nicht in Frage gestellt. In Anbetracht einer konstant fortschreitenden Inanspruchnahme von Energie, Material und Fläche muss allerdings bezweifelt werden, ob ausschließlich technikfokussierte Maßnahmen dazu in der Lage sind, einen nachhaltigen Beitrag zum Klima- und Ressourcenschutz zu leisten.
Die Dissertation widmet sich Schreibweise, Schrift und Schreiben (écriture) essayistischer Texte der Schriftstellerin und Philosophin Hélène Cixous unter besonderer Berücksichtigung der Rolle, die der Körper (corps) für diese Schreibweise spielt. Die Arbeit adressiert die Relation zwischen Körper und Schrift als ‹écriture du corps›. Im Fokus stehen Techniken und Formen des Lesens und Schreibens in entsprechenden Essays von Cixous sowie die epistemische Kritik, die diese Texte gegenüber Schreibweisen und -praktiken der Theoriebildung in den Geistes- und Kulturwissenschaften auf praktische Weise formulieren. Die Positionierung von Cixous' Schreibweise wird vor diesem Hintergrund als ‹Avant-Theorie› gefasst. Diese charakterisiert ein fluider, poetischer Umgang mit Begriffen, das Unterlaufen (der zumeist ungeschriebenen) Regeln von Wissensdiskursen sowie die Einbeziehung nicht diskursiver Formen von Körperwissen. Besondere Aufmerksamkeit gilt dem vielstimmigen und korrespondierenden Charakter dieses Theoretisierens, seinem lesenden Schreiben, schreibenden Lesen bzw. Antworten auf andere Stimmen und Texte. Avant-Theorie lenkt somit die Aufmerksamkeit auf die Momentevor der Etablierung einer Theorie. Deutlich wird dabei, dass das vermeintliche Zuvor (avant), sich nie zu einem abgeschlossenen Danach verfestigt, insofern Theorie konsequent als ein zirkulierendes Lesen und Schreiben mit anderen bzw. Antworten auf andere verstanden wird.
Aufgrund einer alternden Belegschaft, einem steigenden Digitalisierungsgrad von Arbeitsprozessen, unzureichenden Digitalisierungskompetenzen sowie sinkenden Weiterbildungsaktivitäten im Alter, kann eine wachsende Herausforderung für Unternehmen und Gesellschaft angenommen werden, die Erwerbsbevölkerung über 45 Jahre in den notwendigen Digitalen Kompetenzen zu befähigen. Adaptive Lernsysteme können als Hilfsmittel eingesetzt werden, um je nach individuellem Anspruch angepasst an die eigenen Bedürfnisse zu lernen. Da in der bisherigen Forschung sowohl der (Digitale) Kompetenzstand als auch Weiterbildungsverhalten kaum Anwendung als Auslöser für eine Anpassung in einem adaptiven Lernsystem finden, wurden beide Merkmale in dieser Dissertation untersucht und erforscht, ob sich innerhalb der Zielgruppe Weiterbildungstypen im digitalen Raum voneinander abgrenzen und typ-basierte Output-Elemente adaptiver Lernsysteme ableiten lassen.
Um die Ausprägung von Digitaler Kompetenz anschaulich in adaptiven Lernsystemen zu gestalten, wird eine Kompetenz-Ziel-Matrix entwickelt und eine Systematik vorgeschlagen, mit der die Erfüllung der Handlungsziele aus dem Europäischen Referenzrahmen für Digitale Kompetenz gemessen werden kann. In den Tiefeninterviews mit 41 Erwerbstätigen aus Deutschland und der Schweiz wiesen Teilnehmende deutliche Unterschiede in ihrem gelebten Weiterbildungsverhalten auf. Die empfundene Relevanz von Digitaler Kompetenz für die berufliche Rolle war nicht allein ausschlaggebend für eine aktivere Weiterbildungsbeteiligung. Bewusstseinslücken zum eigenen Digitalen Kompetenzstand und/ oder ein geringes Kompetenzerleben im digitalen Raum bewirkten ein passives Weiterbildungsverhalten trotz hoher empfundener Relevanz. Die entstandene Typologie weist fünf Weiterbildungstypen im digitalen Raum auf: Wissbegierige, Effiziente, Sozialaktive, Zufriedene und Unsichere. Diese haben sehr unterschiedliche Anforderungen dahingehend, wie ein adaptives Lernsystem gestaltet sein müsste, um ihren Anforderungen an Lernen gerecht zu werden. Demzufolge weichen auch die vorgeschlagenen priorisierten Output-Elemente je nach Typ voneinander ab, um Anreizpunkte zu setzen, welche die Bereitschaft zum Lernen steigern können.
Thema der vorliegenden Arbeit ist die ikonographische und funktionsgeschichtliche Analyse fotografischer Aktstudien von Gaudenzio Marconi (1841-1885), Hermann Heid (1834-1891), Louis Igout (1837-1881) und Otto Schmidt (1849-1920), die in Frankreich als „Études d’après nature“ verbreitet worden sind. Neben Kunstreproduktionen, Stillleben, Natur- und Tierstudien und Landschaften gehören fotografische Aktstudien zu den gebräuchlichsten Vorlagen für die künstlerische Praxis und Lehre. Die Atelierpraxis der Fotografen soll mit Hilfe der überlieferten Quellen in den Kontext der Antikenrezeption gestellt und im Licht des traditionellen akademischen Curriculums betrachtet werden. Die Untersuchung liefert einen Forschungsbeitrag zum Gebrauchswert fotografischer Aktstudien als künstlerische Vorlage und diskutiert die Distribution fotografischer Aktstudien im 19. Jahrhundert.
#1 Zimmerzerreißung
(2023)
Satzfragmente aus der Lehrveranstaltung Text & Storytelling: Was
erzählen sie über den Rest der Geschichte? Wie wirken sie,
herausgelöst aus ihrem Kontext? Ausgewählt nach ihrem
dramaturgischen Potenzial, reinszeniert, kombiniert entfalten viele
unserer Sätze ungeahnte Wirkung. Nutzen wir sie neu.
Text Telling Stories entstehen aus Zitaten von Studierenden. Verteilt
auf zwei Menschen, werden sie vielleicht zum Dialog. Kommentiert oder
kombiniert erzählen sie neue Geschichten. Was geschah davor, was danach?
Einzeln oder zusammen können die Texte genutzt werden als Lesestoff,
Gesprächsanlass, Botschaften oder Blickfang, Hilferuf, Hinweisschilder,
Statements – als Ausgangspunkt für eigene Geschichten.
Oder ganz einfach: als Postkarten.
Theatertherapie initiiert ästhetische und therapeutische Prozesse zugleich. Simone Klees fragt nach der medienspezifischen Wirkweise des Theaterspielens in der Theatertherapie. Sie knüpft damit an aktuelle Forschungsdiskurse der Theatertherapie an, die sich mit der empirischen Operationalisierung theatertherapeutischer Kernprozesse befassen. Im Mittelpunkt der vorliegenden Grounded Theory Untersuchung steht das Erleben von Spielenden einer klinischen Theatertherapiegruppe. Ein spezifischer Modus ist ästhetisches Erleben, das anhand von sieben Merkmalen herausgearbeitet und datenbasiert rekonstruiert wird. Die Fragilität ästhetischer Prozesse und ihre spezifischen Wirkmöglichkeiten werden sichtbar. Dabei zeigen sich zugleich Bedingungszusammenhänge theatertherapeutischer Spielsituationen und Interventionsmöglichkeiten für Anleitende.
Ausgehend von der These, dass bestimmte satztechnische Ereignisse in Giuseppe Verdis Schaffen werkübergreifend mit kongruenten außermusikalisch-thematischen Aspekten konnotiert sind, werden in der Dissertation grundsätzlich fünf satztechnische Phänomene bzw. ihre Varianten mit Konnotationen im Gesamtschaffen von Verdi erläutert. Das im deutschsprachigen Raum als „Teufelsmühle“ bekannt gewordene harmonische Fortschreitungsmodell, die Quintparallelen sowie der Quint- bzw. Quint-Oktav-Klang im Bereich der Harmonik, die linear rotierende Motivbildung und ein in Sekundschritten pendelndes Dreiton-Motiv im Bereich der Melodik lassen sich als solche satztechnischen Ereignisse in Verdis kompositorischer Sprache erkennen. In den unterschiedlichsten musikalischen und szenischen Kontexten treten sie zum überwiegenden Teil dennoch mit ihren konsequenten Konnotationen wie ausweglose Determiniertheit, Tod, Religiöses, Natur- und Nachtdarstellungen, Klage, physische sowie psychische Hinfälligkeit unabhängig von den Schaffensperioden im Gesamtwerk des Komponisten in Erscheinung.
Simon Boccanegra stellt als eine gleichzeitig alle der genannten satztechnischen Phänomene in sich vereinende Oper den Ausgangspunkt für die Erörterung und ebenso für die vergleichende Darstellung mit den genannten satztechnischen Phänomenen in Verdis weiterem Schaffen dar. Sämtliche Opern sowie weitere seiner Werke, u. a. seine größeren und kleineren geistlichen Kompositionen, wurden in die langjährige Untersuchung eingeschlossen.
Durch die Bezugnahme auf Verdis Studien bei Vincenzo Lavigna in Mailand werden historische Voraussetzungen in Bonifazio Asiolis Traktaten Il Maestro di Composizione, Trattato di armonia und L´allievo di clavicembalo zur musiktheoretischen Behandlung der im harmonischen Bereich der Dissertation erörterten satztechnischen Phänomene thematisiert. Ebenfalls wird Verdis Gebrauch des in Sekundschritten pendelnden Dreiton-Motivs in Entsprechung zu Asiolis Beschreibung von Satztechnik und Konnotation des melodischen Motivs aufgezeigt.
Zu weiteren, auf eine künftige detaillierte Erforschung wartenden satztechnischen Phänomenen wie einem rhythmischen Muster als Daktylos, einer anapästischen Formel bei aufsteigendem Halbton, Sextakkordketten sowie zwei Formen des „Seufzers“, dem aufsteigenden und dem „Vorschlag-Seufzer“, werden im Ausblick der Dissertation Resultate im aktuellen Forschungstand der Untersuchungen der Autorin der Arbeit angedeutet.
Album der Proklamierung des deutschen Kaiserreiches im Schlosse zu Versailles 18. Januar 1871
(1897)
Ausgehend von der Frage, inwiefern Konzerte das menschliche Grundbedürfnis nach einer resonanten Weltbeziehung bedienen, wird in der vorliegenden Arbeit die aktuell in Fachkreisen intensiv diskutierte Resonanztheorie des Soziologen Hartmut Rosa mit konkreten musikalischen Erlebnissen in LIVE-Konzerten verknüpft. Als Gegenstand der Studie diente die Konzert-Performance human requiem des Rundfunkchor Berlins, bei der das Deutsche Requiem op. 45 von Johannes Brahms, in Szene gesetzt von Jochen Sandig, Sasha Waltz und anderen, erklang. Dabei wurden Gästebucheinträge mit einem auf der Resonanztheorie basierenden Kategoriensystem codiert und inhaltsanalytisch ausgewertet. Die Ergebnisse wurden entlang der Merkmale von Resonanzerfahrungen (Affizierung, Emotion, Transformation) eingeordnet und im Hinblick auf ein mögliches Entfremdungspotential, eine zunehmende Erlebnisorientierung und Limitationen der Studie diskutiert. So konnten intersubjektive Faktoren des Formats ‚Konzert‘ identifiziert werden, die Resonanzerfahrungen in besonderer Weise ermöglichen.
Max Liebermann
(1893)
Neuzeitliche Sportanlagen
(1928)
Aktiver Passivismus ist Handlungshemmung und spannungsgeladene Lösung - und er ist der Grund dafür, dass in Robert Musils »Mann ohne Eigenschaften« so wenig passiert. Neele Illner zeigt auf, wie sich mit diesem Konzept nicht nur Musils Roman neu lesen, sondern auch ein Begriff des rechten Lebens entwickeln lässt, welches Widersprüche vereint, ohne sie aufzuheben. Dabei erweist sich der aktive Passivismus als Thema, das zahlreiche Denker*innen des 20. und 21. Jahrhunderts - von Hannah Arendt bis Quentin Meillassoux - umtreibt. Als Form des Lebens und der Literatur vermag er den Krieg aufzuhalten und die geschwisterliche Liebe wiederzuentdecken.
Die Werke Canova's : Sammlung von lithographirten Umrissen nach seinen Statuen und Bas-Reliefs
(1826)
Jenseits von Sprache eröffnet musikchoreografische Arbeit eine Welt von Bildern und Zeichen, deren je eigener Ausdrucksgehalt im Gehörten und Gesehenen sich mit dem tacit-knowingview der Zuschauenden und Zuhörenden verbindet. Sinnstiftende Resonanzen und Verstehensprozesse entwickeln sich entlang der Strukturbildung des Werks einerseits und innerhalb der individuellen Konstrukte impliziten und expliziten Wissens der Erfassenden andererseits. Die Wahrnehmung spielt dabei eine zentrale Rolle. Neben der naheliegenden Verarbeitung von akustischen und visuellen Sinneseindrücken soll hier die Propriozeption, insbesondere der kinästhetische Sinn, im Hinblick auf ihre Rolle als Mittler und Gestalter im Wahrnehmungsvollzug betrachtet werden.
Tanz als eine sensorisch und mental grundierte Bewegungsorganisation zu verstehen, bildet den Kern von Stephanie Schroedters Überlegungen. Besondere Interesse gilt dabei jenem „Muskel-“ bzw. „Bewegungssinn“, auf dem bereits Émile Jaques-Dalcroze sehr hellsichtig insistierte, um Transformation von Klängen in raum-zeitlich und dynamisch differenzierte, „plastische“ Bewegungsgestaltungen zu schulen. Davon ausgehend verfolgt Schroedter die Spur der „Entdeckung“ unserer Kinästhesie in ihre Anfänge zurück – jener Sinn, der für die
Wahrnehmung von Eigenbewegungen, aber auch für Eigenwahrnehmung über Bewegungen verantwortlich ist –, um sodann aus phänomenologischer Perspektive den Begriff eines „kinästhetischen Hörens“ als unmittelbare Verflechtung von auditiver Wahrnehmung mit (sichtbaren oder imaginären) Bewegungen zu etablieren.
324 anerkannte Ausbildungsberufe (Bundesinstitut für Berufsbildung, 2021) und über 21.000 unterschiedliche Studiengänge (Stiftung zur Förderung der Hochschulrektorenkonferenz, 2021) gibt es in Deutschland. Begleitend dazu informieren Unternehmen, Institutionen und Organisationen in ihrem Employer Branding über ihre Jobangebote. Schulabgänger:innen und Berufseinsteiger:innen werden so mit einer Vielzahl von Karrieremöglichkeiten und einer Flut von Informationen darüber konfrontiert.
Die vorliegende Studie untersucht, inwieweit und mit welchen Effekten Unternehmen mithilfe von Gamification zielgruppenaffin Informationen für berufseinsteigende Bewerber:innen bereitstellen können. Auf Basis einer Inhaltsanalyse werden zunächst gamifizierte Anwendungen (n=88) in der deutschsprachigen Personalbeschaffung aus den Jahren 2001 bis 2021 untersucht und in die vier Ausprägungen Berufsinformationsspiel, e-Assessment, Self-Assessment und Matching typologisiert.
Self-Assessment und Matching werden im Anschluss auf positive Effekte hinsichtlich der Kontaktpunkterzeugung (Touchpoint), der realistischen Einblicke (Realistic Job Preview) und des Passungsabgleichs (P-O-Fit/P-J-Fit) untersucht. Zu diesem Zweck werden zwei quantitative Befragungen mit Mitarbeiter:innen von Personalabteilungen (n=221) und Berufseinsteiger:innen (n=217) durchgeführt und verglichen.
Eine statistische Analyse mit dem Kruskal-Wallis-Test zeigt, dass insbesondere das Matching aus Sicht der Personalabteilungen die stärkeren Effekte hat (p<05), während beide gamifizierten Ansätze auf Seiten der Berufseinsteiger:innen gleich starke Effekte erzielen.
Trotz der zunehmenden Finanzialisierung und Privatisierung von Stadtraum entstehen vielerorts Räume, die sich aus einer nicht-renditeorientierten Praxis heraus entwickeln. Auch aufgrund mangelnder kommunaler Absicherung findet in Berliner Nachbarschaften eine stadtpolitische Selbstermächtigung statt, indem Orte jenseits von Marktlogiken als für alle zugängliche und gemeinsame Räume offengehalten werden.
Dieser zivilgesellschaftlichen Planungsarbeit, die auch die sozialen Gefüge am Ort erhält und weiter stärkt, wurde an drei Orten in Berlin nachgegangen: Im Nachbarschaftsraum neben dem Kotti-Shop im Neuen Zentrum Kreuzberg entsteht eine kollektive Spielplatzplanung; die station urbaner kulturen/ nGbK Hellersdorf hält für eine freiräumliche Allmende am «Place Internationale» eine Nutzungsvereinbarung, die Initiative Hermannplatz unterstützt die Nachbarschaft im Kampf gegen den Abriss des Karstadtgebäudes und die Verdrängung lokaler Gewerbetreibender.
Studierende haben sich ein Semester lang als Kartograf:innen in eine Kooperation mit den Initiativen vor Ort begeben und drei grossformatige Zeichnungen erstellt, die die kooperativen Arbeitsweisen im jeweiligen Kontext modellhaft für eine gemeinwohlorientierte Stadtentwicklung aufzeigen. Sie veranschaulichen den Zusammenhang zwischen selbstverwalteter Planungsarbeit und nachbarschaftlicher Raumproduktion und befragen die Rolle von Politik und Verwaltung als – eigentlich – Gemeingut-sichernde Instanz. Als Handreichung und Debattenbeitrag dienen die Kartierungen der Etablierung kooperativer Designansätze im Widerstand gegen eine renditeorientierte Stadtentwicklung.
Ausgehend von einer von Jonathan W. Bernard konstatierten Verbindung zwischen Alfred North Whiteheads principle of organism und dem musikalischen Denken Elliot Carters werden formanalytische Beobachtungen dargestellt, die den komplexen und vielfältigen formalen Zusammenhang bei Carter zu erfassen versuchen, wohl in der Überzeugung, dass dies die Eigenart dieser Musik tangiert. Form wird dabei im Sinne eines holistischen Beziehungs-Gefüges verstanden, das durch verschiedenste Arten von Verbindung hergestellt wird.
Gegenstand des Beitrags sind die Zwölftonspiele Josef Matthias Hauers (1883–1959) und das Verhältnis der ausgeführten konkreten Musikstücke zu der abstrakten Idee des Zwölftonspiels. Ausgangspunkt ist eine Analyse der 44 Tropen, in denen Hauer zufolge die Vollständigkeit aller denkbaren Zwölftonreihen (bei Hauer »Zwölftonmelodien« oder »Melosmöglichkeiten« genannt) enthalten ist, was sich jedoch als nicht zutreffend erweist. Gerahmt werden die Überlegungen von dem Verhältnis des Zwölftonspiels Hauers zum Glasperlenspiel von Hermann Hesse, das sehr wahrscheinlich nicht in der häufig angenommenen Identifikation Hauers mit dem Joculator Basiliensis des Glasperlenspiels besteht und von Hesse auch gar nicht bewusst hergestellt worden ist.
Stockend-Rasende Zeit. Wahrnehmung und Interpretation von Beethovens späten Streichquartetten
(2022)
Ein sachlich analytischer Zugang zu den späten Streichquartetten von Ludwig van Beethoven wurde uns oft wegen werkimmanenter Besonderheiten wie auch wegen der Historie der Werkbehandlung zumindest teilweise verwehrt. In diesem Beitrag versucht der Autor ausgehend von unmittelbaren Hörerfahrungen und satztechnischen Gegebenheiten sich den Werken analytisch anzunähern. Dabei konzentriert sich der Beitrag auf die zwei werkübergreifenden Aspekte, Modulation und Textur, an welche eine umfassende Analyse von op. 127/1 anschließt.
In der Märchenoper Sadko verwendet Rimski-Korsakow zur Darstellung der phantastischen Sphäre harmonische Mittel, die sich den Normen der Dur-Moll-Tonalität entziehen, darunter Klangfortschreitungen, die auf verschiedenen Formen der symmetrischen Oktavteilung beruhen. Sie erscheinen vorwiegend im Zusammenhang mit der Anwendung einer Ganzton-Halbtonskala (gelegentlich kombiniert mit einer Ganztonleiter) in der Melodie oder im Bass. Experimentelle Akkordfolgen fungieren in der Oper in Form von satztechnischen Modellen, bei denen das Lineare eine ebenso wichtige Rolle spielt wie das Vertikale. Dieser Text ist ein Versuch, die wichtigsten auf symmetrischen Zirkelsystemen basierenden harmonischen Modelle zu erfassen und ihre Verbindung mit den kontrapunktischen Prinzipien – sowohl auf der Stimmführungsebene als auch in Bezug auf die Satztechnik – systematisch darzustellen.
Das Anthropozän als gegenwärtiges Erdzeitalter ist (vgl. die sich seit dem Jahr 2000 vielfältig verzweigende diskursive Entwicklung in natur- wie in gesellschafts- und kulturwissenschaftlichen Disziplinen) von einer umfassenden Beeinflussung planetarer Entwicklungen durch Humanaktivitäten gekennzeichnet. Damit einher gehen beunruhigende und bedrohliche Begleiterscheinungen wie der Klimawandel, das Massenaussterben zahlreicher Arten, die Verschmutzung der Ozeane, aber auch das akustische Einwirken auf zahlreiche Tierarten durch menschengemachte Geräusche. Um Perspektiven einer weiteren Öffnung musiktheoretischer Fachlichkeit zur inter- und transdisziplinären Anthropozändiskussion zu eröffnen, werden zwei Vorschläge unterbreitet, mit welchen Methoden und anhand welcher Gegenstände Musiktheorien sich posthumanistisch weiterentwickeln könnten. Der erste Vorschlag ist, Musikkulturen nichtmenschlicher Tiere im Sinne des »Animal Turn« in musiktheoretischen Diskursen zu berücksichtigen. Vor allem dann, wenn Musiktheorie als empirisch exploratives Projekt des Verstehens und Systematisierens von musikalischer Praxis verstanden wird, bietet sich in den Gesängen und Instrumentallauten zahlreicher nichtmenschlicher Tiere ein reiches Untersuchungsfeld. Vorschlag zwei ist, die weitere Entwicklung künstlicher Kreativität musiktheoretisch zu begleiten. Insbesondere vor dem Hintergrund des Fortschritts im Bereich des Maschinellen Lernens ist das Potenzial für eine kreative Handlungsmacht (›Agency‹) von Künstlicher Intelligenz gegeben. Aus der Erweiterung der musiktheoretischen Perspektive, hin zur posthumanistisch informierten Berücksichtigung tierlicher und künstlicher Musikkreation, ergeben sich weitere Entwicklungsmöglichkeiten. Durch die Dekonstruktion anthropozentrischer Vorannahmen in der Musiktheorie und die Entwicklung von Theorien zu mehr-als-menschlichen Musiken kann Musiktheorie außerdem zusätzliche gesellschaftliche Relevanz erlangen.
für Stefan Prey
(2022)
Ohne Titel
(2022)
Der vorliegende Text betrachtet die Problematik, dass ästhetische Aspekte im Tonsatz- und Analyseunterricht zwar von großer Wichtigkeit, sie aber nur schwer zu verbalisieren und zu vermitteln sind. Bezugnehmend auf Immanuel Kants Erkenntnistheorie werden die Ursprünge ästhetischer Urteile reflektiert. So soll ein Bewusstsein für die dargestellte Problematik geschaffen werden. Anhand methodischer Überlegungen möchte der Beitrag im Folgenden dazu ermutigen, ästhetische Kriterien in die Korrektur von Tonsatzaufgaben mit einfließen zu lassen.
Analysiert werden die Anfänge aus Haydns Symphonie-Menuetten Nr. 5, 65, 77 und 81. Der Fokus liegt auf prägnanten ›Spielen‹ bzw. ›witzigen‹ und dissonanten Gestaltungen von Rhythmus und Metrum. Die Analysemethoden sind eine flexible Kombination moderner, seit den 1970er Jahren diskutierter Theorien für Rhythmik und Metrik (v. a. Lerdahl, Temperley, Hasty, Mirka, Petersen, Swain); das Ergebnis sind vier annotierte
Partituren, die in ihrer Wortkargheit Schenker-Analysen ähneln.
Ein Stück wie Stravinskys Feuervogel lässt einem den Gegenstand musikalischer Analysen abhanden kommen. Ist es die Partitur, die zu untersuchen ist? Oder ist es das Spiel? Die Fassungen des Feuervogels sind Niederschriften vorgestellter Aufführungen. Stravinskys Fortschreibungen des Stücks verwischen den Unterschied zwischen Text und Spiel. Der Komponist reagiert auf das jeweilige Uraufführungsorchester, und so verändern sich Zeit und Ort des Feuervogel-Textes. Für Paris schrieb Stravinsky 1910 die Premierenpartitur mit Ballett, für eine eigene kleine Tour 1911 und für Sankt Petersburg eine erste Suite, für Genf 1919 eine zweite, und 1945 entstand in San Francisco eine weitere Ballett-Version. Ausgewählt wurden für generelle Überlegungen zur Analyse von Orchestermusik Aufführungen der Feuervogel-Fassungen von 1910 und 1919, beide dirigiert von Valery Gergiev, die eine mit den Wiener Philharmonikern im Sommer 2000, die andere mit den Berliner Philharmonikern im Dezember 2018.
Goethes musiktheoretische Interessen und die Frage nach dem Kontext musiktheoretischer Gegenstände
(2022)
Goethes musiktheoretische Interessen wurden häufig als Spekulationen eines musikalischen Dilettanten unterschätzt. Dazu beigetragen hat, dass sie Teil heute nicht mehr geteilter naturphilosophischer Überlegungen und weitgespannter Interessen sind. Goethe zielte nicht auf spezifisch musikalische Spezialisierung. Vielmehr unternahm er den Versuch, die an anderen Gegenständen – zumal an optischen Phänomenen – gewonnenen Ideen auch auf die Musik zu übertragen. Im Beitrag werden die Perspektiven aufgezeigt, unter denen die auf musiktheoretische Sach-verhalte gerichteten Bemerkungen in ihrer Einbettung in naturphilosophische Sichtweisen nachvollziehbar werden.
Im folgenden Beitrag soll die Lehrschrift L’art de moduler au violon von Auguste Panseron zum einen vom Blickwinkel der historischen Satzlehre aus beleuchtet werden. Insbesondere sollen die Funktion sowie die genaue Erscheinungsform der Oktavregel im Fokus stehen, die in Panserons Modulationssystematik eine tragende Rolle einnehmen. Hier werden unter anderem Aspekte ihrer Rezeptionsgeschichte und Tradierung zu erörtern sein. Außerdem soll in diesem Rahmen auch das im Frankreich des 19. Jahrhunderts mitunter schillernde Verhältnis zwischen Oktavregel und basse fondamentale diskutiert werden. Zum anderen möchte dieser Artikel L’art de moduler unter methodisch-didaktischen Gesichtspunkten betrachten. Aufzuzeigen, auf welche Art sich das Erbe der italienischen Partimento-Tradition in Panserons Schriften manifestiert, ist dabei nicht nur musiktheoretisch gesehen von Interesse, sondern vermag auch Impulse für die heutige klassische Streichinstrumentausbildung geben, in der das systematische und harmonisch fundierte Improvisieren Lernen noch immer ein Desiderat darstellt.
In diesem Text wird anhand der Skizzen die Genese der Schlussgruppe des 1. Satzes von Beethovens Eroica-Symphonie untersucht. Dabei lassen die unterschiedlichen Stadien des Skizzierungsprozesses erkennen, dass Beethoven von einem einfachen Gerüst ausging, welches er im Lauf des Kompositionsprozesses in einen komplexen, von retardierenden Momenten und Abschweifungen durchsetzten musikalischen Verlauf überführte. Die Ideen, durch welche (vor allem harmonische) Mittel dies geschehen sollte, standen dabei schon früh fest, nicht aber, an welchen Stellen diese Mittel zum Einsatz kommen sollten. Der Blick in die Werkgenese macht das Spezifische der Dramaturgie dieses Formteils deutlich. Denn Beethoven hat den Punkt, an dem Unerwartetes passiert, immer weiter nach hinten verschoben. Je näher wir dem Ziel kommen, desto mehr gerät zuletzt die Musik gleichsam ins Stocken und (scheinbar) auf Abwege.